Exigence : Littérature

Par les fossés et par les haies d'Emile Storck

Françoise Urban-Menninger — 2013-06-19T09:30:00Z

Dans sa préface éclairée, le philosophe Jean-Paul Sorg nous rappelle que l'oeuvre poétique d'Emile Storck jamais rééditée depuis plus de cinquante ans sauf quelques traductions de Verlaine ou de Baudelaire, est restée dans l'ombre. Son aîné Nathan Katz disait pourtant de la poésie d'Emile Storck qu'elle était plus "forte" (stärker) que la sienne.

Voici cette injustice en partie réparée grâce aux Rencontres Européennes de Littérature et de l'attribution du Prix du Patrimoine Nathan Katz pour la traduction de "Par les haies et les fossés" par le Cercle Emile Storck où l'on retrouve Jean-Paul Gunsett, Richard Ledermann, Jean-Paul Sorg et Albert Strickler.

Très vite à la lecture de ce recueil, qui comme son intitulé l'indique, va nous entraîner sur des chemins de campagne où sont "tombés des morceaux d'azur", on songe immanquablement à René Schickelé et à ses "Paysages du ciel". Le même lyrisme irrigue ces poèmes de ciel, de terre et d'eau mêlés. La grâce émane de chaque vers et avec le poète, nous transcendons le continuum espace-temps pour nous transporter dans ce lieu merveilleux et intemporel où l'âme, pareille à un papillon, vient "baigner" ses "ailes dans le souffle de la brise".

Dans une parfaite symbiose avec la nature, Emile Storck crée des synesthésies qui semblent couler de source. Ainsi dans "Orage dans la nuit", il écrit :"Ensuite dans le silence un long soupir parcourt la nature". Le poète devient ce souffle qui génère une musique où le poème est dansé au bout des mots tel "un ballet de libellules". Emile Storck se parle à lui-même et nous tutoie dans le même temps :"Souffle/ en ces lumineuses heures bleu ciel" et l'on ne peut que le suivre lorsqu'il réveille notre regard en s'écriant "La beauté est vivante partout, même si ton regard/ émoussé par l'habitude ne lui prête plus d'attention".

La lecture de ce recueil procure au lecteur un vrai bonheur, nul doute que les traducteurs ont pris beaucoup de plaisir à accompagner le poète. Albert Strickler dans le dernier tome de son Journal "Les andains de la joie" évoque cette rencontre et l'on imagine volontiers que le poète des "riens somptueux" et celui du "Papillon Aurore" qui sont de la même lignée ont eu partie liée au coeur même de cet ouvrage. Et chez l'un comme chez l'autre, la mort semble par avance consentie dans une sérénité apaisée, voilà ce que nous confie le Papillon Aurore :"et quand viendra l'instant de la mort je m'effacerai en silence".

Emile Storck nous offre indubitablement avec ce recueil l'un des secrets du bonheur. Dans le poème "Paix au bord du chemin", l'auteur nous parle de "la joie profonde" qui l'envahit et d'ajouter "comme alors tout est simple dans ta vie :/ ici un chemin en lisière des bois, là un prunellier/ avec ses petites baies bleues, une pierre plus loin".

Emile Storck nous permet de renouer avec notre cosmicité et de la faire chanter en pleine harmonie avec ce paysage alentour qui renvoie à notre jardin intérieur où notre enfance chemine tout au bord de cette lisière où notre origine et notre fin confinent.

Françoise Urban-Menninger

L'actualité Verlaine, juin 2013 n°4

Françoise Urban-Menninger — 2013-06-19T09:28:39Z

C'est sous la houlette particulièrement dynamique de Bérangère Thomas, présidente des "Amis de Verlaine", poète elle-même, chanteuse, musicienne, initiatrice du Prix Paul Verlaine, que paraît cette revue somptueuse qui rend hommage au "Prince des Poètes".

La Ville de Metz étant la ville natale du poète, il parut évident à Bérangère Thomas que Les amis de Verlaine se devaient de racheter la maison où était né le poète. La passion, la force de conviction de Bérangère Thomas dont le nom est désormais associé à celui de Paul Verlaine, sont venus à bout de tous les obstacles et lui ont permis d'acquérir ce lieu d'exception qui devient aujourd'hui Maison d'écrivain & de Patrimoine.

La revue dirigée par Bérangère Thomas entretient cette reconnaissance due à l'un de nos plus grands poètes qui sera mis à l'honneur à Londres où s'organise une fondation tandis que la Ville de Mons "Capitale européenne de la Culture" en 2015 prépare une publication et une exposition et qu'à Metz se dessine "une année Verlaine" pour 2014. "Quelle belle revanche pour le Pauvre Lelian !", de s'exclamer Bérangère Thomas dans son éditorial en reprenant l'anagramme que Verlaine s'était lui-même choisi pour faire paraître une étude consacrée aux poètes maudits.

C'est dans cet esprit de reconnaissance dédié au poète que cette revue propose des articles rédigés par d'éminents spécialistes de son oeuvre tels Yann Frémy ou Arnaud Bernadet. Dans le numéro de juin particulièrement riche en la matière, on prend plaisir à retrouver des poèmes de Camille Aubaude, Bernard Appel, Marguerite Bertoni ou de Bérangère Thomas elle-même. Agréablement illustrée, cette revue incite le lecteur à faire plus ample connaissance avec Verlaine. Les poètes qui ont concouru récemment pour le Prix Paul Verlaine et qui ont été invités à Metz n'ont pu que se réjouir de l'accueil qui leur a été réservé et du grand bonheur de découvrir au coeur de la vieille ville, tout près de la cathédrale, l'appartement de Verlaine où celui-ci vécut enfant.

On ne peut que souscrire à la passion contagieuse de Bérangère Thomas, figure désormais emblématique de la Ville de Metz, qui oeuvre inlassablement pour le rayonnement de l'oeuvre du poète et aussi pour celui de sa ville natale.

Françoise Urban-Menninger

maisondeverlaine@gmail.com Les amis de Verlaine Maison de Verlaine 2 rue Haute-Pierre 57000 Metz www.amis-verlaine.net

Fumée état d'âme

Jean-Paul Vialard — 2013-06-19T09:20:53Z

- L'ATELIER

François Giveri en quête d'une lumière orientale.

Abdelali Najah — 2013-06-13T09:30:22Z

L'artiste peintre français François Giveri a exposé à la Cité portugaise d'El Jadida au Maroc, des œuvres artistiques appartenant à deux styles picturales distincts à savoir des toiles figuratives qui sont des œuvres de petits formats réalisées sur papier en technique mixte : encre de Chine et de couleur, aquarelle, gouache, crayon de papier, craie, etc.

Elles sont marouflées sur bois et vernies. Ces œuvres permettent à Giveri de mettre en évidence la poésie des matières et des couleurs dans des lumières observées sur nature, elles témoignent de sujets analysés et transformés selon son imagination, cherchant ainsi une vibration de la lumière et des transparences atmosphériques. La médina d'Azemmour, la ville où vivait Giveri depuis pas mal d'années, et ses environs sont ses terrains de "chasse" privilégiés. Quant aux toiles abstraites, elles relatent des émotions rassemblées, recomposées, recueillies lors de ses déplacements au Maroc. Giveri cherche ainsi un rapport fusionnel avec l'abstraction de la nature, dans un "corps-à-corps" avec la toile qu'il froisse, plie pour obtenir un dessin en réseau où l'imprévu à aussi sa part. Il fabrique ses couleurs à partir de terres ocre et de pigments qu'il se procure depuis des an-nées à St Saturnin d'Apt dans le midi de la France. Les mélanges sont variables, peintures acrylique et colle, huile et essence de térébenthine, vernis cellulosique, sable, terre, etc. Le choix des gammes est dicté par la perception et transformé par l'émotion, les matériaux et les outils de réalisation. La composition varie selon les sujets et les formats et répond à l'instinct plus qu'à des règles, et en regardant ses toiles figuratives et abstraites, le clair-obscur est une technique picturale prédominante, ce qui permet au" regardeur" d'aborder une profondeur suggérée et d'être "envahi" par l'œuvre. Ainsi, François Giveri peint le monde tel qu'il est en essayant de le sublimer dans une énergie positive.

Exposant à la galerie Chaïbia Talal à la Cité portugaise d'El Jadida, François Giveri est impressionné par la qualité architecturale du lieu et par le fait qu'il honore cette grande artiste peintre autodidacte dont les peintures sont depuis longtemps très connues et appréciées dans le milieu des arts plastiques en France.

L'artiste peintre François GIVERI (pseudonyme de Jean-Pierre Poggi-Vérignon), est né à Tunis le 29 juillet 1942, et vit à Azemmour depuis 2006. Peint depuis l'âge de quinze ans ; BEPC en 1958, Bac en 1961 (anglais, latin grec, philo) à Marseille ; certificats du professorat de dessin en 1963 et 64, à Paris, lycée Claude Bernard ; CES d'esthétique en 1965, Fac des Lettres d'Aix-Marseille ; diplôme national des Beaux-arts, diplôme régional de Luminy, en 1967, section peinture, à Marseille.

Il a exercé en France pour le compte de l'Etat, des activités dans les domaines de l'art contemporain et des musées et a terminé sa carrière comme conservateur en chef du patrimoine en 2002. Durant cette période, il a réalisé des œuvres dans des collections privées en France et au Maroc. François GIVERI nous confirme : « Je réalise des peintures sur toile et sur papier que j'espère sources d'émotions visuelles et embarcadères pour l'imagination de chacun ». La peinture est devenue pour GIVERI une activité à plein temps depuis 2002.

La souveraine reprend son rang - Geneviève Asse

Jean-Paul Gavard-Perret — 2013-06-13T08:56:38Z

QUAND LA SOUVERAINE REPREND SON RANG

Musées des beaux-arts de Lyon du 28 juin au 16 septembre 2013-01-16 Centre Pompidou du 26 juin au 9 septembre 2013-01-16

La recherche de la lumière et de la transparence ainsi que de l'absolue de l'épure (sans que l'on puisse pourtant ranger cette dernière sous le registre du minimalisme) ne cessent de hanter Geneviève Asse. Son œuvre gravée remonte aux années quarante. Dès 1963 elle commence une importante collaboration avec poètes et écrivains d'Yves Bonnefoy à André Frénaud en passant par Silvia Baron, Supervielle ou André du Bouchet. Elle publie au sein de cette communauté élective un livre composé par F. DA Ros avec s. BECKETT qui est à la fois son premier livre et un parfait chef-d'œuvre du genre : « Abandonné ». S'y retrouvent l'économie du trait, le dénuement de la ligne.

Ce parti-pris d'effacement appartient au plus profond du langage de l'artiste au même titre que l'apparition, au milieu des années 1970, du bleu, de "son bleu Asse" obtenu grâce à la technique de l'aquatinte. Il constitue pour beaucoup de critiques « l'image de fabrique » d'une œuvre de peintre mais surtout de graveur. « En gravant, j'écris et à la fois je m'inscris » avoue Geneviève Asse dont le titre des œuvres sert souvent de point d'ancrage à cette inscription. Parfois ces titres font référence à la nature, Feuille, Graine, Automne, à l'architecture, Fenêtre, Ouverture, Triangle soleil, ou encore au monde de l'océan (l'artiste est originaire de la côte Bretonne), Atlantique, Ancre, Marine, la référence ultime reste la poursuite de la lumière, de l'espace et de la couleur.

Gravures, huiles sur papier ou toiles, estampes, etc. l'œuvre est multiple, mais représente toujours la rencontre instinctive, émotionnelle avec la poésie sous toutes ses formes. Une poésie qui n'ajoute rien, ne retranche rien, mais fait toucher à des images sourdes, primaires ou plutôt fondamentales. La recherche de l'équilibre dans les relations des formes avec l'espace et la lumière sur la surface de la toile est aussi une des grandes forces de l'œuvre à l'image de son grand triptyque à l'huile de 1971.

Portée au silence, l'artiste a su trouver très tôt dans le monde de la peinture, chez Chardin en particulier, une ouverture, des portes, des lointains sur un espace « autre » qui la rapproche de toute une peinture abstraite américaine de la fin du millénaire précédent - Rothko en tête. « Maintenant j'ai gagné un autre espace. Je suis entre l'objet et le reste, je suis entre les choses… » écrit-elle et elle ajoute « Arriver à une peinture, c'est peut-être cela : être dedans et dehors ».

Bernard Noël définit ainsi un tel : « Geneviève Asse, la pointe de l'œil Force et lumière Austérité Haute Exigence ». Une telle exigence se charpente sur le presque rien, à des griffures, à quelques traits, parfois à un rehaut de couleur à la limite du perceptible. Il vient s'incruster dans la rétine, s'impose par la force d'une diaphanéité que l'artiste définit parfaitement « en gravure je quête le dépouillement, l'ouverture vers la lumière ». D'où l'importance pour Beckett d'une telle œuvre, d'où la rencontre inévitable entre ces deux univers d'effacement, et de disparition.

N.B. Le titre de l'article est emprunté au livre de Michel Burir et Geneviève Asse « La souveraine reprend son rang », 2004, Editions Carnet des 7 collines, 46 Euros.

L'absurde : trois déclinaisons

Jean-Paul Vialard — 2013-06-10T11:50:19Z

- L'ATELIER

Quolibets - Christopher Gérard

Penvins — 2013-06-09T16:10:42Z

Panorama de la littérature réactionnaire

A travers 68 portraits d'écrivains Christopher Gérard trace les contours d'une littérature conservatrice, Jacques d'Arribehaude, disait, réactionnaire ajoutant : Réaction se confond tout simplement pour moi avec résistance, et de toutes mes forces. Résistant, donc réactionnaire, mais bien sûr, et plutôt mille fois qu'une. Dissident j'étais, dissident je reste.

On aime bien sûr entendre cette révolte contre une époque qui s'abandonne au matérialisme et l'on comprend quelle rage anime tous ceux qui connurent la littérature d'avant la débâcle de 1940 et le bouleversement des mentalités que les babyboomers, forts de leur nombre, firent subir à notre société en mai 68. Si l'on voit bien aujourd'hui quel désastre produisit ce renversement des valeurs, et les dommages qui ont été causés à la civilisation par une prétendue démocratisation de la culture, il faut tout de même se rappeler que le plus grand désastre fut l'avènement des valeurs totalitaires - qu'elles soient nazies, fascistes ou communistes - contre lesquelles cette merveilleuse civilisation européenne, celle-là même que d'aucuns espèrent aujourd'hui réhabiliter, ne sut réagir à temps. J'oserais dire : un peu de décence. Et je n'admets pas que Olivier Bardolle puisse citer avec jubilation George Steiner qui s'exclame : « je préfère un SS cultivé à un beach boy. » non que je vénère l'inculture du beach boy, mais parce que je pense que si la culture doit servir à quelque chose c'est bien de donner aux humanistes la force de combattre les SS avant qu'il ne soit trop tard. Il ne s'agit pas de battre sa coulpe pour des actes que l'on n'a pas soi-même commis, il faut simplement mettre la culture à sa place et considérer que, si elle devait élever l'homme, elle a, à ce moment-là, cruellement failli.

Voilà sans doute pourquoi je pense que l'exaltation du beau et de l'ancien chers à cette famille de pensée ne doit pas être regardée comme un absolu mais plutôt comme un refuge hors d'un monde exécré, ce dont d'ailleurs les auteurs portraiturés par Christopher Gérard ne se cachent généralement pas.

Mais refermons cette parenthèse et intéressons-nous à ces écrivains que Christopher Gérard vénère et que tous les écrivains de sa famille soutiennent en raison de la cause qu'ils défendent plus sans doute que de leur qualité littéraire qu'ils ont admises une fois pour toutes et loin de moi l'idée qu'ils n'en aient pas et qu'ils ne puissent aisément damer le pion à bien des écrivains aujourd'hui encensés.

Il y a là une véritable bibliothèque idéale ce que signifie le titre de l'ouvrage Quolibet que Christopher Gérard prend le soin, dans son envoi, de détacher en quod libet ce qui plait. Subjectifs, l'auteur ne le nie pas, ses choix ouvrent des portes que la littérature marchande tient fermement closes, en tous cas pour nombre d'entre elles, leur préférant celles d'une prétendue modernité dont il ne cesse de dénoncer les orientations en complète opposition avec ce qui avait fait la culture européenne d'avant-guerre. L'intérêt de l'ouvrage c'est sans aucun doute ce rappel de ce que fut la littérature et cette riche sélection d'auteurs attachés à cette tradition. On y retrouvera des noms connus et d'autres un peu moins sinon des initiés, ceux-là seront ou sont déjà conquis par le livre de Christopher Gérard, les autres préféreront passer leur chemin et ils auront bien tort : il faut lire ce livre et se confronter à cette littérature respectueuse de la langue, sinon pour ses qualités intrinsèques du moins pour le miroir qu'elle nous tend sur l'état de notre culture et de notre société.

De David Mata, par exemple, Christopher Gérard écrit qu'il s'agit d'un de ces écrivains quasi clandestins, inconnus des gazettes mais enthousiasmant une poignée d'authentiques lecteurs, qui constituent l'Europe secrète.[…] un pur produits des hussards de la République […] pour qui le mot élite n'était pas une insulte. Ces écrivains-là ont écrit des œuvres, profondément enracinées qui parfois refusent de tenir compte de la grande fracture que fut ce que certains d'entre eux appellent la guerre de Trente ans (1914-1945) et se lamente sur une décadence, certes bien réelle, mais peut-être aussi indispensable au renouvellement de notre civilisation. Ils n'en restent pas moins les témoins de ce qui n'est plus et remplissent en cela une fonction éminemment littéraire à laquelle Christopher rend un hommage appuyé et mérité qu'il serait dommage de balayer d'un revers de main pour non conformité à la pensée dominante.

Eva Yerbabuena

Abdelali Najah — 2013-06-07T07:36:30Z

- MUSIQUE/danse

New York Arbor - Mitch Epstein

Jean-Paul Gavard-Perret — 2013-06-01T08:52:10Z

Mitch Epstein, “New York Arbor” Steidl Editions, Berlin & Londres2013, EXPO 1 : New York , MoMA/PS1 Queens, New York. 12 Mai, - 2 Septembre 2, 2013. Mitch Epstein : New York Arbor, Fondation A Stichting, Bruxelles, 21 avril - 30 juin 2013.

FOLLOW IT URBANITE DE L'ARBRE.

Qui n'est pas poursuivi par le fantôme d'un arbre ? Autour de lui louvoie toujours une forme de volupté. Et ce même ou surtout dans les grandes cités. New.York ne déroge pas à la règle. Mitch Epstein présente les photographies d'arbres saisies dans les cinq quartiers de la ville. Sortant de Central Park et de ses images d'Epinal l'artiste montre comment l'arbre peut paradoxalement dominer les habitants voire l'architecture des blocs. Epstein s'est toujours concentré sur le lien qui unit nature et urbanisme. Fidèle aux leçons d'un Rem Koolhass et de son indispensable « New York Délire » il illustre les conditions afin « que le cœur d'une ville change moins vite que le coeur d'un mortel ». La trivialité positive de la première peut être sauver par le second : l'arbre devient ainsi une critique très forte de la sophistication urbanistique qui – même à New York - dès qu'on sort des buildings de prestiges n'est pas sans laideurs et erreurs.

Les photographies d'Epstein gardent avant tout une force poétique Impossible de ne pas entrer en sa vibration en rebondissant sur la "peau" des écorces et parfois contre la lèpre de façades. A leurs effractions les arbres répondent. Parfois il reste un corps lointain et solitaire, l'être urbain en reste séparé. Parfois il devient une silhouette parmi celles des citadins. Mais dans tous les cas son injonction silencieuse est un recours. Il reste au coeur de ce qu'on peut ressentir en traversant New-York et c'est là un beau paradoxe.

L'élan vital de l'arbre est un refuge même lorsque le premier a besoin d'assistance techniques pour tenir debout. “ Venez dans mon royaume » semble-t-il dire au passant. Plus que le plus fier building demeure en lui le temps qui n'en finit pas de s'incarner. Il reste la source à laquelle s'abreuvent toutes les feuilles de la vie. Même dans Manhattan le ciel est divisé par lui. Il en emporte le quotient. En est d'emblée sa masse qui forge une poussée a priori occulte donc irreprésentable. Pourtant il y a le miracle de la photographie qui n'en finit pas de l'ouvrir.

Qu'est-ce en effet que le paysage si ce n'est cet espace-temps auquel l'arbre donne des repères qu'il soit isolé ou en bande ? L'arbre offre à la Big-Apple un halo sentimental, un symbole de vie même dans ses lieux les plus improbables. A la fois acteur et spectateur du paysage il offre à l'urbanisme une rêverie du paysage et une urbanité.

La photographie chez Epstein n'est plus le refuge de l'intimité de la nature ou son simple miroir. Elle n'est plus enveloppante, rassurante et n'est pas enroulement sur elle-même. Les images retenues placent celui qui regarde l'arbre et l'arbre lui-même en divers axes d'interférences. Le second – sans doute par la magie de la prise – devient une utopie face aux pierres, à l'asphalte et au béton. Il n'est plus un interstice mais un contrepoint, agent de spéculations nouvelles donnant du sens jusqu'aux édifications matérielles humaines.

J-P Gavard-Perret

Tout visage est un fragment du monde

Jean-Paul Vialard — 2013-06-01T05:30:51Z

- L'ATELIER